Francesco Spinelli e la Pentecoste di Santo Spirito

[Leonardo Basile]

Ci sono opere che non si possono giudicare soltanto attraverso i criteri della storia dell’arte, perché il loro significato si è sedimentato nel tempo, insieme alla vita della comunità che le ha accolte. La pala dell’altare maggiore della Chiesa Parrocchiale dello Spirito Santo, a Santo Spirito, è una di queste. Dipinta da Francesco Spinelli, pittore bitontino nato nel 1832 e scomparso nel 1907, la tela raffigura la Discesa dello Spirito Santo su Maria Vergine e gli Apostoli, episodio evangelico che celebra la Pentecoste, momento fondativo della missione apostolica.

È un dipinto di notevoli dimensioni — 160 × 230 centimetri — realizzato a olio su tela e presumibilmente eseguito tra il 1870 e il 1873. La sua presenza nella chiesa non è soltanto una testimonianza artistica: è anche una pagina della storia religiosa e civile di Santo Spirito, legata con ogni probabilità alla famiglia De Lerma, che potrebbe aver commissionato e donato l’opera in occasione della nomina di Diego De Lerma a primo parroco della comunità, il 23 gennaio 1873.

La scena: la luce, il gesto, la fede

Spinelli affronta un tema iconografico consolidato da secoli di tradizione figurativa. Al centro della composizione siede la Vergine Maria, avvolta in un ampio manto azzurro, le mani incrociate sul petto e lo sguardo rivolto verso l’alto. Sopra di lei, una colomba emerge dalla luce celeste, mentre raggi luminosi attraversano le nubi e investono il gruppo dei presenti. Attorno alla figura mariana, gli apostoli reagiscono all'evento con espressioni di stupore, contemplazione e fervore. Le piccole fiammelle che si posano sul loro capo traducono visivamente il mistero della discesa dello Spirito Santo.

L’impianto è chiaramente gerarchico: Maria costituisce il fulcro visivo e spirituale dell’intera scena, mentre le figure degli apostoli, disposte ai suoi lati e ai suoi piedi, convergono verso di lei attraverso gli sguardi, i gesti e gli orientamenti dei corpi. Il blu del manto mariano, il rosso acceso della veste della figura in primo piano e i bruni degli abiti maschili costruiscono una gamma cromatica tradizionale, nella quale il colore svolge una funzione espressiva e simbolica prima ancora che naturalistica.

Particolarmente efficace è il rapporto tra la zona superiore, aperta alla luce soprannaturale, e quella inferiore, occupata dai corpi e dalla pesantezza materiale delle vesti. La luminosità che scende dall’alto non si limita a illuminare la scena: ne dichiara il significato, contrapponendo la dimensione divina alla condizione terrena degli uomini. (continua sulla fonte)